工作坊

編舞李偉能透過一連四節身體爲本的工作坊，整理過往創作舞蹈的方式，以及分享他對於身體的理解——既可以是與精神意念相通的整體，亦可以是動作概念的載體。

是次工作坊將利用意象、文字、聲音及概念等驅動身體，發動舞蹈，隨著轉換感官和專注力去探索各種身體可能達到的表演狀態。

以《一切由無意義開始》的創作過程開始，帶領參加者由一段舞蹈動作開始，去尋找創作的表達形式。

走進人與人之間
互望，互動，互信
相遇，相知，相撞
他者如一面鏡子
可窺探一己之境

是次工作坊將以接觸即興練習作起點，透過身體與身體的互動感受別人、覺察自己，進行深度的對話。

工作坊內容及方向建基於劉曉江在創作的體會和自省，分享最近對現場藝術發生／體驗的時間性的思考，並以劇場和表演創作為終點，尋找思考和創作工具。

是次工作坊從視聽藝術的感知層面進入，討論作為觀者的現場「經驗」，再延伸到論述層面的「後經驗」——透過認知經驗先後的關係，淺談理論和經驗與創作的關係。

透過回顧19至20世紀的現代戲劇發展，比較幾個令人感覺在形式上充滿「革命性」的當代戲劇作品是如何小心地選取形式上的顛覆。工作坊繼而追問藝術形式的顛覆有何基準？如何避免作品被顛覆的慾望吞噬令其變得難以明白？成功在形式上顛覆的作品與其他作品有何分別？形式上的顛覆既然是思想上的跳躍，非理性是否必然？

在音樂史上，譜及文字一直被用作指示及文獻，而同樣地在舞蹈中，拉班舞譜（Labanotation）等舞譜的出現令動態漸見被標記的可能。及後激浪派（Fluxus）及行為藝術的發展上更廣泛地應用文字、指示及圖像等作為表演文本。而作為表演者，我們又如何建立自己對於這些文本和譜被演繹和詮釋的方式？

是次工作坊將視譜作表演的框架與載體，透過了解創作者的意圖和作品與表演者之間的關係，辨識當中表演者能夠發揮和演繹的維度。延伸自去年公開研習週的「書寫動態工作坊」及不加鎖舞踊館在油街實現策劃的展覽「流動空間」，工作坊的研習重點將放於如何解讀表演文本，而不限於特定範疇的表演者。

是次工作坊研習重點是透過直覺、感知空間、距離、方位對參加者的回饋，解開理性頭腦的束縛，從以達到一種奇妙、具吸引力的「狀態」。

工作坊内容為張利雄下個作品的首階段的創作研究練習。

近年香港表演藝術圈出現不少新興用語，如舞台美學（scenography）和劇場構作（dramaturgy）等，這些概念似乎提供了新的角度和方式去切入劇場的創作。

然而從較傳統訓練的角度，舞台美學和劇場構作可能只是一個代表透徹理解表演內容、並鉅細無遺地處理觀演經驗的同義詞。這種思考及工作模式是每個創作及製作崗位都應該切實執行，而非單靠團隊中的某一兩個人去把關。

是次工作坊將透過不同的例子和練習去探索上述創作過程，並提供一些指引為參加者日後的實踐作參考。

透過武術中的馬步、拳術套路、易筋經、氣功等練習，訓練對筋腱與關節的細緻運用與對氣的感應。以黐手及推手對練，提升對重心的控制，從低強度的對抗性訓練當中掌握發力的原理。

是次工作坊將帶領參加者在動態與靜態、思維與身體的練習中來回穿梭，從而得到內外覺知的全面開發。

「Action！」是電影片場提示演員開始的指示語，這是一般劇情片拍攝的常見做法。實際上，電影的類型和形式五花八門，甚至每個電影人的創作手法也是獨一無二，各有所好。

長年以紀錄片、實驗片創作為主的李偉盛，其實鮮有劇情片那種按部就班，一板一眼，喊著「Action」來開始拍攝的經驗。

他回想過去幾年的創作路途，從最初學習的紀錄片攝製開始，發現「Reaction」可能是更適合自己的一種創作方法。相較於傳統劇情片拍攝時以執行劇本為主要目標，他更嚮往在創作時，盡力保持開放的空間、即興的彈性，讓自己能更自由地按著當下作出「Reaction」——無論是在拍攝，還是剪接的現場。

是次工作坊李偉盛將帶領參加者，從生活的日常物（譬如meme）出發，了解一些基本的剪接原理，並透過各樣有趣的互動練習，擴闊參加者的創作思維。

從模仿，到轉變至誇張化。
這是你？還是他人？
let’s share and play.

是次工作坊將以即興練習作起點，模仿他人的身體狀態及微細動作為主軸，再作轉化及放大。

是次工作坊將由參與者的個人歷史經驗、故事中擷取創作素材以表演方式作呈現，再以改變作品當中的元素（音樂，說話，方位），嘗試創造出有異於作品原本的意義和意思。

對不少完成專業訓練的舞者來説，芭蕾舞技巧顯得過於僵化和系統化。而許嘉俊從香港芭蕾舞團和歐洲舞團工作的經驗中，發現芭蕾舞作為身體表達和訓練的工具，可以擁有有不同詮釋的方式。這亦有助他以另一角度面對芭蕾舞，發掘有趣和不同的方式去繼續日常的鍛煉。

是次工作坊以分享他對於芭蕾舞的想法開始，再與參與者一起親身嘗試、討論和發掘身體展示芭蕾舞的方式。

《呼吸與動態》是不加鎖舞踊館「dance-to-be 2022」駐場編舞計劃下的研究階段成品，其研究方向以呼吸為重心，集合不同背景的舞者及有形體訓練之人士，一同經驗關於呼吸的練習，從而尋找呼吸與自身的關係。過程以口琴作爲呼吸具象化的工具，把呼吸轉化爲聲音，進一步思考呼吸如何成為編舞的創作工具。

是次工作坊將邀請《呼吸與動態》的協作者陳天進，一同分享上述過程中的一些呼吸練習，以及把呼吸轉化成聲音後的身體經驗。

以「#非關舞蹈」的理念摒除制式化的舞蹈技巧，讓身體回歸本源。

是次工作坊希望參加者透過身體的創作和表現，體驗舞蹈表演的樂趣，以表演者的身份參與「#非關舞蹈」系列作品—《手》的展演，並於演後觀賞其他「Open Field」演出。

甚麼是表演研究（Performance Studies）？我們又如何把它的理論意涵放置於在香港的語境之中？

在兩小時的講座及討論會中，尹水蓮教授會分享表演研究（一個在香港相對新的研究領域）的主要概念及方法學。在逐步拆解表演研究脈絡的過程中，以批判的角度切入這學科從北美發源的文化根本，以及往後超越國界的發展。然後從數個實例中討論舞蹈及具身性（embodiment），聚焦於舞台表演以及包括街頭集會、行人身體及人群管制在內的日常動作。

為了聯貫參與者在公開研習週的經驗，講座亦有身體參與環節。我們期望共同建立以表演研究為本的方法和美學語彙根基，不只是單單用來描述我們的創作，而是去更新我們在此時此地，對於身邊正發生的事物的理解和詮釋。